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*Movie "El último bandoneón" (Argentina-Venezuela / sept 2005). Dirección: Alejandro Saderman. Con Rodolfo Mederos, Marina Gayotto y otros. Guión: Graciela Maglie y Alejandro Saderman. Fotografía: Miguel Abal. Música: Rodolfo Mederos.- El bandoneón, ese instrumento que hace muchos años llegó de Alemania para insertarse en las orquestas de tango, es el eje central de este film que combina armónicamente el documento con la ficción a través de una muchacha triste y desgarbada que se gana la vida tocando en colectivos y subterráneos.- Mederos ve en Marina a una ejecutante de talento y le sugiere conseguir otro bandoneón que pruebe sus verdaderas virtudes. Y allí va ella a visitar a viejos maestros de ese instrumento, se detiene en salones de baile en los que el tango y sus cultores pueden darle alguna pista para cambiar su maltrecho fuelle y recorre los talleres de luthiers que, con cálidas palabras, la guían hasta hallar un mítico Doble A, el Stradivarius de los bandoneones. La travesía de Marina por esos lugares con sabor porteño pintan con enorme devoción un Buenos Aires en que bailarines y músicos rescatan los compases de nuestro ritmo popular en medio de recuerdos, de añoranzas y de anécdotas que hablan de la devoción por esos temas populares -muchos de los cuales ilustran el film- que anudan a antiguos maestros con parejas jóvenes que van descubriendo el sabor sensual de los ritmos tangueros.- source: LA NACION - - El diálogo derivó en distintos aspectos de la música ciudadana. Según su opinión "están disfrazando al tango, perdón que sea tan franco, pero es que el tango es el tango y como lo dice la letra, no hay vuelta que darle. Esta pareja quiere ser superior a la otra y ¿qué hace?, tira la mujer pa´ arriba, la sientan, la tiran por debajo de las piernas, la abren de piernas... no, eso es payasada. El tango es el tango y no acrobacia, ahora lo están haciendo acrobático. Estamos haciendo tango estilista, con gambeta, comprendo, pero no la payasada que hace ahora, cuánto más muestran a la mujer primer premio!, no, eso no...".



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¡Viva La Música!
  Hearing music is more than listening, it is touching all of the senses simultaneously. In singing, the body's pulsations are protruded on to a stream of breath, thus revealing the singers emotions and offering a target for affective identification for the listeners. Even when listening to sounds of musical instruments, a part of the listening experience is a notion of the bodily activities that produce the sounds. A player's sense of a musical style is primarily felt in contact with the instrument, and can not be acquired through discourse. The physical effort to create sound is already part of the music. The bandoneón, originally ment as a small church organ, needs the musician's whole body to express a boundary-transcending sound. A musician is expressing himself through his instrument and connecting awareness to the whole body. He is not unpacking a digital audio format. Dancing on life music feels much different from a mp3 audio file which encodes music into a technological form. We interact through all our senses, the sensing body in movement has much more layers than its visual image.
  In the matter of listening, time, cultural taste and sensitivity make a difference. Many listeners appreciate the sheer sound quality of authentic performance instruments, finding it more beautiful and filled with character than what is heard from modern instruments. The same could be said of the human voice, when it is not required to compete with modern instruments in volume. What authentic-performance participants want is not always authenticity per se, but particular benefits that come from authenticity, such as clarity, tonal vividness, and rhythmic propulsion. The instruments have a less overpowering tone, so that the playing of one note interferes less with the hearing of simultaneous or neighboring notes. Authentic performance is argued to achieve greater transparency of musical texture. Greater transparency and greater dynamic contrast lend themselves, in turn, to greater rhythmic energy. To the ear that has become attuned to authentic performance, modern "mainstream" performances often sound heavy and rhythmically dull. Paradoxically, for such listeners, the unique musical character comes through more clearly when they are performed with the lighter forces of the authentic performance movement. Mainstream or 'corriente principal', spiegelt den kulturellen Geschmack einer großen Mehrheit wieder.
  Regarding dancing tango and it's musical evolution in the recent decades, the four representative schools of the Argentine tangomusic are: Di Sarli, D’Arienzo, Troilo and Pugliese. They are dance orchestras, playing music for dancing. When the spirit of the music is characterized by counterpoint marking, clarity in the articulation is needed. It has a clear, repetitive pulse or beat, a strong tango-rhythm which is based on the 2x4, 2 strong beats on 4 (dos por cuatro). Caminar es todo, stepping the rhythm is the art of tangoing. The dancer's musicality and his taste for subtleties makes you see the refinement of the 2x4 tangomusic. Astor Piazzolla stretched the classical harmony and counterpoint and moved the tango from the dance floor to the concert stage. His tango nuevo compositions tell us something of our contemporary life, dancing it relates much to modern dance which is a more choreographic performance. Tango with a touch of techno is another new development. This bajo fondo underground tango is, in a way, the return of the strong beat and it is mostly danced with a lot of nuevo figures such as colgadas and volcadas. In any case, musicality only comes when you love the music and know it by heart. A pianist says: "There’s nothing quite like learning to play a piece of music to really get inside it. Once I’m inside it, once I’m feeling through the piece with my own hands and working through its many parts with the microscope of learning, once I really start to “get it” about the music … it’s just staggering."

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Anibal Troilo on video- Roberto Grela - Mi Noche Triste

Anibal Troilo (11/07/1914 - 18/05/1975), born in the Palermo district Buenos Aires, made his bandoneón debut at 14. This authentic Buenosairean symbol did not need mythology to penetrate for always in the Argentine memories, what would be the troileana legend in 1937. Indeed Marabú was the name of the mythological night club in which the first orquestal formation makes debut. Marabú is the name of an African stork, the bird who brings babies: Pichuco would put the rest. Aníbal Troilo, nicknamed "Pichuco", was a magician, the best thing of the melancholic 40's can be perceived in the work and orchestra. Troilo worked with the best poets and extracted the best of all. His collaboration with Homero Manzi marks three landmarks: Sur, Barrio de tango y Che bandoneón. With Cátulo Castillo - another one of its twin souls - arrived at the paroxysm with La última curda, but also they had La cantina, Una canción, María. With Cadícamo Garúa, Pa'que bailen los muchachos. With Homero Expósito, Te llaman malevo. In instruments: milonga La trampera and el tango Responso, which is a homage to Manzi. Anibal Troilo or Gordo Pichuco, represents a piece of history not only of tango but of this city nigth's life.

Aníbal Troilo about the nickname Pichuco: "Parece que mi padre tenía un amigo a quien llamaban Pichuco. Sobre mis primeras lágrimas de niño, con su dulzura de hombre, acaso feliz mi padre trató de calmarme: 'Bueno, .. Pichuco... bueno'. Dijo PICHUCO y me quedó para siempre". (to make me quiet, soft and tender) "El debut de la orquesta fue el Marabú, de allí pasó al Germinal y a Radio Splendid. En la radio ..." le prohibieron ..."que usara el apodo de PICHUCO...".

Translation en français:
Anibal Troilo (11/07/1914 - 18/05/1975), né à Palermo, fait bandoneon debut à 14. Troilo, avec son bandoneón, son orchestre et son registre de compositeur, etait un magicien qui savait brûler. Comme musicien, il a marqué différence: le meilleur des années mélancoliques des 40, peuvent être perçu dans son oeuvre et dans son orchestre. Ce symbole porteño authentique n'a pas eu besoin de mythologie pour pénétrer pour toujours dans le meilleur palais des mémoires argentines. La cigogne a déposé ce que serait légende troileana en 1937. Précisément Marabú était appelé le cabaret mythologique dans lequel if fait debut avec sa première formation orchestrale, et Troilo n'est peu plus qu'un adolescent. Marabú est le nom d'une cigogne africaine, et Anibal Troilo ou Gordo Pichuco, mettrait le reste. Dans le catégorie de compositeur, ses titres ont la richesse tanguística musicale. Il a travaillé avec les meilleurs poètes et de tous il a extrait le meilleur. Sa collaboration avec Homero Manzi, Cátulo Castillo, Cadícamo et Expósito. Dans ce qui est instrumental, deux remorqueurs d'anthologie: la milonga La trampera et le tango Responso, avec lequel il fait honneur à Manzi.

Anibal Troilo, había nacido el 11 de julio de 1914 en Palermo, debutó con su fueye a los 14, con gesto de gorrión asustado, a pocas cuadras de su casa, en el Petit Colón de Córdoba y Laprida. Troilo, rostro de santón pecador, cara de Buda, bondad que le rompía los bolsillos y un talento inconmensurable para fabricar un tango a su medida murió hace 30 años. Nadie sabe si se lo extraña más por su bandoneón, por su orquesta o por su registro de formidable compositor. Hay, sí, un lugar común: dejó vacante para siempre su categoría de gran tipo, bohemio, generoso, contenedor, sabio en las raras frecuencias que suele dar la noche y el barrio. Troilo fue un mago que sabía quemar la vela por las dos puntas. Como músico, a secas, tuvo tono, registro diáfano, sensibilidad y buen gusto. Marcó diferencia: lo mejor de los melancólicos años 40 se pueden percibir en su obra y en su orquesta. Este auténtico símbolo porteño no necesitó mitología para penetrar para siempre en el mejor palacio de los recuerdos argentinos. La cigüeña depositó lo que sería leyenda troileana en 1937. Precisamente Marabú se llamaba el mitológico cabaré en el que debuta con su primera formación orquestal. Es poco más que un adolescente. Marabú es el nombre de una cigüeña africana: Pichuco pondría el resto. En su categoría de compositor, sus títulos solo necesitan la enunciación para ser ponderados. Tal fue la riqueza musical de su obra que, independientemente de la calidad de los versos, puede paladearse a secas, desprendida de la intención de cobertura tanguística para la que fue creada. Trabajó con los mejores poetas y de todos extrajo lo mejor. Su colaboración con Homero Manzi marca tres hitos: Sur, Barrio de tango y Che bandoneón. Con Cátulo Castillo —otra de sus almas gemelas— llegó al paroxismo con La última curda, pero también habían bordado La cantina, Una canción, María. Con Cadícamo hizo Garúa, Pa'que bailen los muchachos. Con Expósito, Te llaman malevo. En lo instrumental, dos jalones de antología: la milonga La trampera y el tango Responso, con el que despidió y homenajeó a Manzi.
La biografía de Aníbal Troilo, de Gustavo Nahmías, recorre la historia de una figura emblemática del tango argentino desde una perspectiva intimista, que refleja el pulso de una época y arroja claves para entender como Buenos Aires convirtió a Pichuco en uno de sus mitos, a punto de cumplirse 91 años del nacimiento del bandoneón mayor de la ciudad."La imagen de Troilo trasciende la pasión que él tiene por el tango; es un hombre desbordado por muchas pasiones como la noche, el turf, el whisky, sus amigos", subrayó Nahmías. El autor eligió acercarse a Pichuco desde la percepción de Juan Cardozo, un personaje del interior, que a los diecisiete años viaja a Buenos Aires para escapar de un destino de resignación y como mozo del Tibidado -un local para escuchar y bailar tango- conoce a Troilo. "Por un lado, tuve que reconstruir el itinerario de Troilo como músico a través de revisar las discografías, las orquestas que lo acompañaron en diferentes años, y en ese contexto su relación -entre otros cantantes e intérpretes- con el Polaco Goyeneche, Edmundo Rivero, Astor Piazzolla..." "Piazzolla y Troilo se tenía un gran respeto, pero representaban cosas absolutamente diferentes. No sólo en lo que hace a la música. Eran dos formas antagónicas de concebir la vida". El relato toma encarnadura al capturar el círculo más íntimo de Pichuco, desde la aparición de Dudui Ida Calahi, Zita, una presencia permanente desde que se casaron -un 11 de julio de 1938-, justo cuando Troilo cumplió 24 años, hasta el grupo de sus muchachos que le hicieron el aguante en sus eternas desmesuras. Un año antes, Pichuco había lanzado su propia orquesta en la boite Marabú, por donde pasaron pianistas como José Basso o José Colángelo y los bandoneonistas Ernesto Baffa y Piazzolla. Además de Goyeneche y Rivero, los cantores Alberto Marino, Floreal Ruiz, Roberto Rufino, Angel Cárdenas, Elba Berón y Nelly Vazquez desfilaron por la orquesta. La imagen de Troilo inclinado sobre su bandoneón, apoyado sobre un paño de terciopelo negro, que cubría su pierna derecha, se recorta nítida en el transcurso de aquellos años. El autor destaca la generosidad "inconmesurable" del japonés -como lo llamaba Zita- "no sólo para los familiares sino también para los desconocidos. Y para los músicos o cantores que formaron parte de su orquesta. Ellos se iban sin problemas, porque Troilo dejaba que la gente volara".

Clip Edmundo Rivero - Leopoldo Federico - Alguien le dice al tango
Hugo del Carril - TVclip El último payador


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"No hay tango viejo ni tango nuevo. El tango es uno solo. Tal vez la única diferencia está entre los que lo hacen bien y los que lo hacen mal"

"There is no old tango nor new tango. Tango is one. Perhaps the only difference is between those who do it well and those that make it bad"

Aníbal Carmelo Troilo, el mítico Pichuco

La Chicana - La Patota - lachicanatango


Gustavo Santaolalla managed to join the glories of the tango in the 2-CD album of Café de los Maestros. It is in a Boîte de Luxe with a mini-book of 56 pages, it is the start of an ambitious work that include futures volumes, a book of the same title, a disc of bandoneón (Pure Bandoneón), a film directed by Miguel Kohan and produced by Walter Salles and in addition, an international tour. The value of Café de los maestros is to reunite the maestros del tango.. As Santaolalla explained: "the four representative schools of the Argentine tango are covered by the project: Di Sarli, D’Arienzo, Troilo y Pugliese".

Santaolalla is as proud of that work as of the BTC, Bajofondo Tangoclub. "I like all music and what I can contribute and to bring to the table from my angle I do it, I do not know to read nor to write music, but I have my codes and my ways and something happen when I work in something." The project in which it reunited to the great alive legend like Mariano Mores, Atilio Stamponi, Leopoldo Federico, Virginia Luque and Osvaldo Requena, took two years to him of production, but it is only the beginning, Individual discs and other assortments come, soon will come the book and the film produced by Lita Stantic and Walter Salles, in order year the presentation in Argentina and later an international tour that will arrive at Europe and the Carnegie Hall in New York.

It is not a copy of the Buena Vista Social Club. "I am not a Sting, un Bono ni un Ry Cooder that comes to Buenos Aires to discover tangueros, I grew watching my father to sing tangos while he shaved. 20 years ago I did "De Ushuahia a la Quiaca", that is the same concept applied to folclore.I feel deeply Argentine. I have been having a double Argentinean-American citizenship, I moved to North American, Los Angeles for than one decade because I have children who were born here , who also have double passport, and basically by a bureaucratic question, by the taxes, because he is better for the businesses. But unlike other Argentine professionals who I know, I not me norteamericanicé in my form to think. I take a very particular, alive life in Los Angeles, but my agenda has been to develop Latin alternative music and that has allowed to maintain me to me in contact with all Latin America and to travel to Argentina at least three times per year. Santaolalla, born in the early fifties, remembers that he arrived at the United States in 1978 and that the first eight years were horrible. "I passed re badly until a day I had a crisis and I realized which if it did not protect the boy that took inside were going away it to kill, me they were going it to squash like a a cockroach, and there I began to develop my ability to deal with the multinationals. Since then I developed a protection scheme so that my creativity could be maintained intact. The center of everything is always my vision and my artistic being. The others are labels and are used for the confusion, like when they say "el rey Midas" or "el gurú del rock" to me". Gustavo Mozzi, the other producer of the project, emphasized the fact to recover the sound of the decades of ` 40 and ` 50. Café de los maestros is a work of recovery of damaged material . It is an historical document that will have relevance anywhere in the world.

Two compact discs summarize the best. In the first disc, Café de los maestros brings repertoire like: Al maestro con nostalgia, por Carlos García y su orquesta; Vieja viola, por Lágrima Ríos y Aníbal Arias; Orgullo criollo, por Atilio Stampone y su orquesta; Pa’ la Guardia, por Quinteto Baffa; La canción de Buenos Aires, por Virginia Luque; y A mis viejos, por Osvaldo Berlingieri y su orquesta. Al galope, por Leopoldo Federico; Percal, por Alberto Podestá; Si sos brujo, por Emilio Balcarce y su orquesta; Viejo jardín, por Nelly Omar; La Cumparsita, por Carlos Lázzari y su orquesta; La llamo silbando, por Horacio Salgán; Romántico bandoneón, por José Libertella; y Tanguera, por Mariano Mores, completan el disco. La segunda parte la integran Sueño de tango, por Leopoldo Federico y su orquesta; Un cielo para los dos, por Lágrima Ríos y Gustavo Santaolalla; La puñalada, por Carlos Lázzari y su orquesta; Alma en pena, por Juan Carlos Godoy y Cristóbal Repetto; Loca bohemia, por Emilio De la Peña; Chiqué, por Quinteto Baffa y De Lío; Será una noche, por Oscar Ferrari; y A fuego lento, por Horacio Salgán y su orquesta. Mariposita, por Chula Clausi; Tierra querida, por Osvaldo Berlingieri y su cuarteto; Suite de tangos, por Leopoldo Federico y su cuarteto; Mi amigo Cholo, por Atilio Stampone y su orquesta; y Taquito militar, por Mariano Mores, completes the second CD.

El tango electrónico surge de la fusión de instrumentos tradicionales, como el bandoneón, con ordenadores y sampler (aparato que graba, reproduce y manipula digitalmente secuencias sonoras), ya sea en temas remezclados, en composiciones nuevas o utilizando fragmentos de canciones clásicas del dos por cuatro -compás típico del tango- o intérpretes célebres, como Carlos Gardel.
Nacido en el arrabal de Buenos Aires a finales del siglo XIX, el tango ha encontrado en la música electrónica unos aires de renovación que dieron lugar al nacimiento de un movimiento que hoy genera tanto resquemor como entusiasmo. 'Tango fusión', 'tecnotango' 'techno tangoing' o 'tango electrónico' son algunos de los nombres que ha recibido el movimiento iniciado hace apenas un lustro. El concepto de 'tango electrónico' cuenta entre sus precursores a Gotan Project y a Bajofondo Tango Club, dos proyectos liderados, respectivamente, por los argentinos Eduardo Makaroff, radicado en Francia, y Gustavo Santaolalla, candidato a un Oscar por la banda sonora de 'Brokeback Mountain. En terreno vedado'. El movimiento se completa con grupos como Narcotango, Otros Aires, Ultratango, Tango Crash, San Telmo Lounge, Yira, Tanghetto y Malevo Sound Project, que admiten que sus creaciones han revuelto el avispero del tango, cuya última renovación musical se había dado con Astor Piazzolla en la década de los 70. De hecho, mientras algunos aún discuten si Piazzolla 'es o no tango', los creadores del tecnotango ven al vanguardista músico como una especie de patrono que, imaginan, hoy utilizaría computadoras para hacer música. DobleA.